Italienische Saxophonisten, die du kennen solltest

Triff die Saxophonisten, die Italiens Jazzszene zum Leben erwecken! 🎷🎵

Italiens Beziehung zum Saxophon ist eine Geschichte der Übersetzung und Neuerfindung: Ein Instrument, das im industriellen Frankreich des 19. Jahrhunderts geboren wurde, fand in italienischen Händen eine lyrische, theatralische und sehr persönliche Stimme. Die folgenden Spielerinnen und Spieler sind einige der Namen, die dazu beigetragen haben, diese Stimme zu formen - nicht, weil sie alle gleich klangen, sondern weil jeder von ihnen die technische Beherrschung in eine eigene Ausdruckssprache verwandelte. In den folgenden Porträts erfährst du, wer sie waren, wie sie gespielt haben und warum ihre Arbeit für alle, die sich für das italienische Saxophon, den Jazz in Italien oder das kulturelle Leben des Instruments im Allgemeinen interessieren, immer noch wichtig ist. 🎶

Fausto Papetti 

Papettis bevorzugtes Instrument war das Altsaxophon, das er in ein Vehikel für Melodie und Gefühle verwandelte. Er benutzte hauptsächlich Selmer-Saxophone, die für ihren runden und ausgewogenen Klang bekannt sind, und schuf einen warmen, samtigen und gehauchten Klang mit gerade genug Vibrato, um jeder Phrase eine menschliche Qualität zu verleihen. Anstatt sich auf komplexe Jazzimprovisationen zu verlassen, baute er seine Kunst auf melodische Klarheit und emotionale Phrasierung auf. Jede Note, die er spielte, fühlte sich an, als wäre sie gesungen und nicht geblasen - eine Herangehensweise, die zu seinem Markenzeichen wurde.

Seinen frühen Ruhm erlangte er mit der Veröffentlichung der “Raccolta”-Alben, einer langlaufenden Serie von Sammlungen, in denen er bekannte Lieder mit seinem Saxophon interpretierte. Titel wie Raccolta n. 1 (1960) und Raccolta n. 2 wurden schnell zu Bestsellern in Italien, Europa und Lateinamerika. Diese Platten verwandelten Pop- und Filmhits in üppige, romantische Instrumentalstücke, die oft in verträumte Orchesterarrangements gehüllt waren. Zu seinen bekanntesten Interpretationen gehören “Love's Theme”, “Feelings”, “Emmanuelle”, “Strangers in the Night” und “Un Uomo e una Donna (A Man and a Woman)”.

Eine seiner beliebtesten Aufnahmen, “Tema d'Amore”, fängt alles ein, was Papetti so besonders macht: ein langsames, ausdrucksstarkes Vibrato, einen Ton, der zu atmen scheint, und eine Phrasierung, die so lyrisch ist, dass sie lebendig wirkt. Ein weiteres Highlight ist seine Version von “The Shadow of Your Smile”, in der sein Altsaxophon über einer sanften Rhythmusgruppe schwebt, mit der Gelassenheit eines Sängers, der eine Ballade vorträgt. Diese Darbietungen zeigen, wie Papetti aus einer vertrauten Melodie etwas sehr Persönliches machen kann, indem er Popkultur in pure Gefühle verwandelt.

Hinter der scheinbaren Einfachheit seiner Musik verbarg sich eine außergewöhnliche Kontrolle über Atem, Ansatz und Tonerzeugung. Sein Klang war intim, aber nie zerbrechlich, ausdrucksstark, aber nie erzwungen. Er bevorzugte lange, fließende Linien gegenüber scharfen Artikulationen, und sein sanftes Vibrato (langsam und abgerundet) verlieh seinem Spiel eine stimmliche Wärme, die nur wenige erreichen konnten.

Papettis Stil wurde manchmal als “Easy Listening” bezeichnet, aber er hatte viel mehr Tiefe, als dieser Begriff vermuten lässt. Er schlug eine Brücke zwischen dem anspruchsvollen Jazz und dem Mainstream und trug so dazu bei, das Saxophon in die Wohnzimmer von Millionen Menschen zu bringen. Seine Musik erklang in Cafés, im Radio und im Hintergrund romantischer Abende und prägte, wie Menschen auf der ganzen Welt das Saxophon mit Liebe und Nostalgie assoziierten.

Auch Jahrzehnte nach seinem Tod im Jahr 1999 klingen die Aufnahmen von Fausto Papetti noch nach. Sein Saxophon bleibt eine zeitlose Stimme: melancholisch und doch tröstlich, elegant und doch einfach. In der langen Geschichte der italienischen Musik erinnert Papetti daran, dass das Saxophon nicht nur ein Jazzinstrument ist, sondern auch ein Gefäß für pure Emotionen. Sein Sound mit seinem unverwechselbaren italienischen Charme flüstert noch immer sanft über Generationen hinweg.

Gianni Basso

Wenn Fausto Papetti die Stimme der Romantik war, war Gianni Basso der Herzschlag des italienischen Jazz. Der 1931 in Asti geborene Musiker wird oft als der wahre Vater der italienischen Jazzsaxophontradition bezeichnet, ein Musiker, dessen Klang sowohl Eleganz als auch Seele ausstrahlte. Sein Ton war weich, aber stark, voller Wärme und Tiefe, und seine Phrasierung zeigte den Einfluss amerikanischer Meister wie Stan Getz und Zoot Sims, die er zutiefst bewunderte.

Basso begann nach dem Zweiten Weltkrieg in Bigbands zu spielen, bevor er sich seinen Platz in der wachsenden Jazzszene Italiens eroberte. Seine Partnerschaft mit dem Trompeter Oscar Valdambrini wurde legendär. Gemeinsam gründeten sie das Basso-Valdambrini Quintett, eine Gruppe, die die Raffinesse des Cool Jazz mit der für italienische Musiker so charakteristischen lyrischen Sensibilität perfekt verband.

Wenn du Bassos Tenorsaxophon hörst, fällt vor allem die Ausgewogenheit auf: Vollmundig und doch sanft, ausdrucksstark, aber nie übertrieben. Er spielte kontrolliert und zielstrebig, zog Klarheit der Effekthascherei vor und ließ immer die Melodie den Weg weisen. Seine Alben wie Basso-Valdambrini Quintet (1959) und New Sound from Italy (1960) sind immer noch Meilensteine des europäischen Jazz, die diese unverwechselbare Mischung aus Swing und Subtilität einfangen.

Aber was Basso vielleicht wirklich besonders machte, war seine Fähigkeit, Welten zu verbinden. Er schlug Brücken zwischen italienischem und amerikanischem Jazz, spielte an der Seite von Legenden wie Chet Baker, Buddy Collette und Clark Terry und verdiente sich deren Respekt für seine lyrische, ehrliche Herangehensweise. In seiner Musik ging es nicht um Schnelligkeit oder Effekthascherei, sondern um die Wahrheit, eine Note nach der anderen.

Gianni Bedori: “Johnny Sax”

iele italienische Saxophonisten haben so tiefe und vielseitige Spuren hinterlassen wie Gianni Bedori, der einer breiteren Öffentlichkeit als Johnny Sax bekannt ist. Der 1930 in Mantua geborene Bedori war ein Musiker von seltener Vielseitigkeit, der in der Welt des Jazz, des Pop und der zeitgenössischen Komposition gleichermaßen zu Hause war. Im Laufe seiner langen Karriere wurde er zu einer Brücke zwischen den Genres und zeigte, wie das Saxophon sowohl technische Meisterschaft als auch emotionale Tiefe ausdrücken kann.

Bedoris formale Ausbildung am Conservatorio di Milano, wo er Klarinette und Saxophon studierte, legte den Grundstein für seine außergewöhnliche Kontrolle und seinen Ton. Seine frühe Arbeit in den 1960er Jahren mit Giorgio Gaslini, einem der führenden Avantgarde-Komponisten Italiens, machte ihn zu einem ernstzunehmenden Jazz-Künstler. Alben wie Nuovi Sentimenti (1966) und Gaslini Plays Monk (1971) unterstreichen Bedoris ausdrucksstarke Phrasierung und seinen furchtlosen Ansatz bei der Improvisation. Sein Ton (rund, artikuliert und charaktervoll) spiegelt ein tiefes Verständnis sowohl für klassische Disziplin als auch für die Freiheit des Jazz wider. 🤘🏼

In den 1970er Jahren erfand sich Bedori unter dem Namen Johnny Sax neu und veröffentlichte eine Reihe von Alben, die Jazz-Sensibilität mit Pop-Appeal verbanden. Alben wie “Johnny Sax” (1971), “Johnny Sax n.2” (1972) und “Johnny Sax a modo mio” (1973) wurden in Italien und darüber hinaus ein großer Erfolg. Seine Interpretationen von Themen wie "Love Story", "Aria di Casa" und "Emmanuelle" begeisterten die Hörer mit ihrer lyrischen Wärme und filmischen Qualität.

Was Bedori unter den italienischen Saxophonisten auszeichnete, war seine Fähigkeit, sich mühelos zwischen künstlerischem Experimentieren und Mainstream-Erfolg zu bewegen. Während Zeitgenossen wie Fausto Papetti sich vor allem auf romantisches Easy-Listening konzentrierten, hielt Bedori seine Verbindung zum Jazz aufrecht, indem er oft improvisierte Passagen und harmonischen Reichtum in seine populären Werke einbaute.

Technisch gesehen war Bedori ein kompletter Musiker. Er beherrschte mehrere Instrumente: Tenorsaxophon, Klarinette und Flöte, und schichtete sie oft in seinen Arrangements, um üppige Texturen zu schaffen. Sein Sound zeichnete sich durch Präzision und ausdrucksstarke Nuancen aus: klar und doch klangvoll, lyrisch und doch kontrolliert. Nur wenige Spielerinnen und Spieler konnten so natürlich und fließend von einer intimen Ballade zu einer avantgardistischen Improvisation wechseln.

Unter seinen ehrgeizigeren Projekten ragt Dedicated to Picasso (1973) als Zeugnis seiner kreativen Tiefe heraus. In diesem Werk erforschte Bedori die Schnittmenge von Jazz, moderner Komposition und bildender Kunst und offenbarte seine weitreichende Vision als Komponist und Denker. Im Laufe seiner Karriere hat Gianni Bedori den Klang der italienischen Instrumentalmusik im 20. Jahrhundert maßgeblich geprägt. Er hat nicht nur die Rolle des Saxophons im Jazz aufgewertet, sondern es auch zu einer zentralen Stimme in der italienischen Volks- und Kunstkultur gemacht.

Stefano Di Battista: Moderner italienischer Jazz-Innovator

Der 1969 in Rom geborene Stefano Di Battista repräsentiert eine Generation italienischer Saxophonisten, die technische Präzision mit ausdrucksstarkem Geschichtenerzählen verbinden. Er begann mit dreizehn Jahren Saxophon zu spielen und trat in lokalen Bands auf, die seinen frühen Sinn für das Zusammenspiel und die musikalische Phrasierung prägten. Einflüsse von Art Pepper und Cannonball Adderley sowie die Betreuung durch den verstorbenen Altsaxophonisten Massimo Urbani halfen ihm, eine melodische, flexible und in der Jazztradition verwurzelte Stimme zu entwickeln.

Di Battistas frühe Karriere wurde durch seinen Umzug nach Paris in den frühen 1990er Jahren geprägt, wo er dem Orchestre National de Jazz beitrat und mit namhaften europäischen und amerikanischen Musikern auftrat. Diese Erfahrungen erweiterten sein Verständnis von Ensemble-Dynamik, Improvisation und Klangnuancen und ermöglichten es ihm, italienisches Musikempfinden mit internationalen Jazzpraktiken zu verschmelzen.

Seine Plattenkarriere beweist sowohl Vielseitigkeit als auch Beständigkeit. Alben wie Volare (1997) und A Prima Vista (1998) stellten seinen lyrischen Ansatz vor, während seine selbstbetitelte Blue Note-Veröffentlichung im Jahr 2000 und Round About Roma (2002) neben seinem Quartett auch orchestrale Strukturen erforschten. Projekte wie Parker's Mood (2004) sind eine Hommage an die Bebop-Traditionen, während Morricone Stories (2021) italienische Filmmusik mit Jazz-Phrasierungen interpretiert und seine Fähigkeit unterstreicht, Melodie, Improvisation und kulturelles Erbe zu verbinden.

Di Battista spielt vor allem Alt- und Sopransaxophone. Er bevorzugt ein Selmer Mark VI-Alt mit einem Meyer 6M-Mundstück und ein Yamaha 62R-Sopran mit einem Otto Link 6*. Sein Ton ist ausgewogen, klar und ausdrucksstark, mit einer präzisen Artikulation, die es seinen Improvisationen ermöglicht, lyrisch zu bleiben, ohne übermäßig zu verschnörkeln. Sein Spiel spiegelt eine sorgfältige Balance zwischen Bebop-Einflüssen, melodischer Sensibilität und persönlicher Interpretation wider, die seine Arbeit zugänglich und dennoch technisch fundiert macht.

In Italien ist Di Battista als eine zentrale Figur des modernen Jazz anerkannt, während er international sowohl für seine Aufnahmen als auch für seine Live-Auftritte respektiert wird. Seine Musik ist eine praktische Referenz für Saxophonisten und zeigt, wie man Tonkontrolle, melodische Phrasierung und Ensemble-Interaktion in einem professionellen Kontext kombiniert. Indem er das italienische Musikerbe mit zeitgenössischem Jazz verbindet, hat sich Stefano Di Battista als Saxophonist etabliert, dessen Arbeit sowohl einflussreich als auch lehrreich für Spieler/innen ist, die einen durchdachten, modernen Ansatz für ihr Instrument suchen.

Max Ionata, eine führende Persönlichkeit des zeitgenössischen italienischen Jazz-Saxophons.

Der 1972 geborene Max Ionata hat sich zu einem der prominentesten italienischen Saxophonisten der zeitgenössischen Jazzszene entwickelt. In relativ kurzer Zeit erlangte er Anerkennung für seine technische Meisterschaft und seine ausdrucksstarke Phrasierung und trat in ganz Italien und international auf. Ionata hat an über 70 Aufnahmen mitgewirkt und mit vielen nationalen und internationalen Künstlern zusammengearbeitet. Besonders in Japan hat er sich einen Namen gemacht, denn dort findet seine Musik großen Anklang beim Jazz-Publikum.

Ionata leitet mehrere Projekte und arbeitet ständig mit einigen der angesehensten Musiker des Jazz zusammen, darunter Robin Eubanks, Reuben Rogers, Clarence Penn, Lenny White, Billy Hart, Joe Locke, Anne Ducros, Steve Grossman, Mike Stern, Bob Mintzer, Bob Franceschini, Hiram Bullock, Joel Frahm, Miles Griffith, Anthony Pinciotti, Jon Cowherd und John Benitez. In Italien hat er mit bekannten Künstlern wie Dino Piana, Roberto Gatto, Dado Moroni, Stefano Di Battista, Gegè Telesforo, Giovanni Tommaso, Flavio Boltro, Furio Di Castri, Fabrizio Bosso, Enrico Pierannunzi, Mario Biondi, Ornella Vanoni, Sergio Cammariere und Renzo Arbore zusammengearbeitet. Diese Kooperationen spiegeln seine Vielseitigkeit und das hohe Ansehen wider, das er bei seinen Musikerkollegen genießt.

Ionatas internationale Präsenz ist beachtlich. Er ist in großen Jazzclubs und auf Festivals in Japan, China, den Niederlanden, England, Frankreich, Polen, Spanien, Portugal, Serbien, der Schweiz, Dänemark, Deutschland, den Vereinigten Arabischen Emiraten, Kuwait, Peru und den USA aufgetreten und hat damit immer wieder die globale Anziehungskraft seiner Musik bewiesen. Seine Auftritte vereinen melodische Klarheit, rhythmische Präzision und emotionale Tiefe und bieten dem Publikum ein raffiniertes und dennoch zugängliches Jazzerlebnis.

Max Ionata ist hauptsächlich Tenorsaxophonist und zeichnet sich durch einen vollen, leicht abgerundeten Ton aus, der es ihm ermöglicht, sowohl Balladen als auch schnellere Bebop-Linien mit Klarheit zu spielen. Er betont die horizontale Phrasierung und formt oft lange, singende Linien, die Akkordwechsel auf natürliche Weise verbinden, anstatt sich auf vertikale, auf Arpeggios basierende Improvisationen zu verlassen. Er beherrscht die Dynamik subtil, aber bewusst, indem er mikrodynamische Veränderungen und atemgesteuerte Akzente einsetzt, um Spannung und Entspannung innerhalb einer Phrase hervorzuheben. Harmonisch balanciert er Bebop-Vokabular mit modaler und zeitgenössischer Sprache aus, wobei er oft chromatische Übergänge, verzögerte Auflösungen und intervallische Sprünge einbaut, um Farbe hinzuzufügen, ohne die melodische Kohärenz zu verlieren.

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Viel Spaß beim Lesen! 
Odisei Musik Team