Consigue tu PDF gratuito
Maestros del tono, la técnica y la expresión
El clarinete es un instrumento de paradojas. Es capaz de la comedia más bufa y de la tragedia más profunda; desde un susurro casi inaudible (niente) al grito desgarrador del jazz. Pero ese cilindro de madera de granadillo, con sus teclas de plata y su lengüeta vibrante, no es más que un objeto inerte hasta que un artista le insufla vida.
Vivimos en lo que los historiadores de la música llamarán probablemente la “Segunda Edad de Oro” del clarinete. Nunca antes habíamos tenido acceso a tal diversidad estilística coexistiendo al mismo tiempo. La globalización ha permitido que los rígidos límites de las escuelas tradicionales, el oscuro y compacto sonido alemán, la brillantez y agilidad de los franceses, la poderosa proyección de los estadounidenses, se difuminen, se crucen y creen híbridos fascinantes.
Este artículo no es una mera lista; es un recorrido por diez personalidades que han dedicado su vida a dominar el viento. Estos son los diez clarinetistas que, hoy en día, definen lo que significa tocar este instrumento. Acompáñanos mientras exploramos sus historias, sus enseñanzas y, sobre todo, esas grabaciones que pueden alterar la química de tu cerebro.
Leer sobre música es sólo el principio. Por eso hemos preparado un recurso descargable con contenido inspirador de los maestros, diseñado para enriquecer tu visión artística y motivar tu práctica diaria.
1. Martin Fröst: el ilusionista que rompió moldes
Para entender a Martin Fröst, primero hay que olvidar la imagen tradicional del solista clásico: esa figura estática, vestida con frac, arraigada al suelo junto al director de orquesta. Este sueco ha decidido que el clarinete no es sólo un instrumento que produce sonido, sino una extensión del cuerpo. Fröst es, sin duda, la figura más mediática y revolucionaria del clarinete del siglo XXI.
Nacido en Suecia, Fröst toca con el sistema Boehm (francés), pero su sonido no se parece al de nadie. Parece proceder del hielo nórdico: prístino, transparente, con una pureza tan absoluta que a veces te preguntas si estás escuchando un instrumento de viento o un sintetizador orgánico. Su técnica ha redefinido lo que es posible; puede ejecutar pasajes staccato a velocidades que desafían la lógica física, manteniendo una claridad absoluta. Pero su mayor contribución ha sido la teatralidad. En proyectos como Casa de muñecas y Génesis, En la actualidad, Fröst baila, actúa y dirige mientras toca, reviviendo la figura del músico como chamán que guía a la tribu a través de un ritual.
Aunque su agenda como solista internacional y Director Musical de la Orquesta de Cámara Sueca le impide ocupar un puesto fijo en la enseñanza, su influencia pedagógica es enorme a través de las clases magistrales que imparte en todo el mundo y su colaboración con Buffet Crampon en el diseño de instrumentos. Escucharle es asomarse al futuro del instrumento.
2. Sabine Meyer: la dama de hierro y terciopelo
La historia de Sabine Meyer es una historia de triunfo moral y artístico. A principios de la década de 1980, se convirtió en el centro de una de las mayores controversias de la música clásica cuando el legendario director Herbert von Karajan intentó nombrarla primera mujer en la sección de viento de la Filarmónica de Berlín. La orquesta se rebeló y, tras un breve periodo, Meyer se marchó. Lo que podría haber destruido la carrera de cualquiera se convirtió en su combustible. Hoy, Sabine Meyer es una institución en sí misma, una solista cuya carrera ha eclipsado a la orquesta que una vez la rechazó.
Meyer es el gran guardián e innovador de la Escuela Alemana. Toca con el sistema Oehler, un mecanismo más complejo que el sistema francés, con teclas adicionales y digitaciones alternativas para conseguir un sonido específico: denso, oscuro, centrado y rico en armónicos inferiores. Escuchar a Meyer es como oír la tradición de Brahms y Mozart destilada. Su fraseo es siempre elegante, lógico y profundamente aristocrático. No persigue los efectos fáciles ni la velocidad vacía; cada nota tiene peso y propósito.
Ahora transmite este legado como profesora de la Musikhochschule Lübeck (Alemania), enseñando a un grupo muy selectivo de estudiantes que aspiran a dominar el complejo sistema alemán.
4. Andreas Ottensamer: el aristócrata vienés del siglo XXI
En el mundo del clarinete, el apellido Ottensamer pertenece a la realeza. Tanto su padre como su hermano ocuparon sillas principales en la Filarmónica de Viena. Andreas, el más joven de la dinastía, no sólo heredó el talento, sino también un carisma de estrella de cine que ha contribuido a popularizar el instrumento entre el público joven. Su estilo es un híbrido fascinante. Aunque utiliza el sistema alemán y el clarinete vienés (con un calibre ligeramente más ancho), su forma de tocar tiene una cantabile calidad que recuerda a la escuela italiana. Su sonido es aterciopelado, oscuro como el chocolate, pero lo suficientemente flexible como para asumir riesgos expresivos a los que otros músicos de orquesta no se atreverían. Ottensamer ha logrado la rara proeza de ser un músico de orquesta disciplinado y, al mismo tiempo, un solista de Deutsche Grammophon con atractivo para el mercado de masas.
Cuando no está de gira o grabando, enseña en Berlín y ofrece clases magistrales en todo el mundo, sirviendo de referencia para quienes buscan un noble sonido vienés con mentalidad moderna.
5. Nicolas Baldeyrou: el mago de la técnica francesa
Para muchos estudiantes de clarinete de hoy en día, Nicolas Baldeyrou es “el tío de YouTube”. Es cierto que sus grabaciones caseras, en las que se multiplica para tocar arreglos imposibles, se han hecho virales. Pero reducir a Baldeyrou a un fenómeno de Internet sería un grave error. Es uno de los clarinetistas más dotados técnicamente de la historia.
Baldeyrou encarna la quintaesencia de la Escuela Francesa: brillantez, claridad, elegancia y articulación (lengüetazo para separar las notas) a la velocidad casi del rayo. Su sonido es más ligero y flexible que el de sus colegas alemanes, con un vibrato cuidadosamente moldeado para colorear las notas largas. Lo que le hace único es la aparente facilidad con la que resuelve las dificultades más desalentadoras; mientras otros luchan, él parece simplemente respirar.
Esta maestría técnica tiene su base en Lyon (Francia), donde enseña en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de Lyon (CNSMD) y es solista de la Filarmónica de Radio Francia. Es el destino soñado para cualquier estudiante que pretenda dominar la técnica de los dedos y la lengua hasta sus límites.
6. Sharon Kam: la voz del alma
Algunos músicos tocan notas; otros cuentan historias desgarradoras. Sharon Kam pertenece a la segunda categoría. Nacida en Israel y formada en Juilliard, saltó a la fama internacional tras ganar el prestigioso Concurso ARD de Munich a los 21 años. Desde entonces, se ha labrado una carrera única, basada principalmente en Alemania.
El estilo de Kam se define por una emoción desbordante. No teme llevar el instrumento a sus límites dinámicos ni forzar el sonido si la expresión dramática lo requiere. Posee un tono cálido, redondo y muy humano. A diferencia de la fría perfección de otros intérpretes, Kam busca una conexión visceral con el oyente. Su generoso vibrato y su dominio colorista le permiten abordar el repertorio romántico y operístico con una profundidad inusual.
Residente en Hannover, se centra en proyectos de música de concierto y de cámara con colaboradores de primera fila, evitando el trabajo orquestal rutinario para dedicarse a aventuras artísticas personales.
7. Anthony McGill: dignidad, liderazgo y justicia
Anthony McGill ocupa un lugar especial en la historia de la música clásica estadounidense, no sólo como primer director afroamericano de la Filarmónica de Nueva York, sino también por su inmensa calidad artística y humana. Su actuación en la toma de posesión del presidente Obama junto a Itzhak Perlman y Yo-Yo Ma le catapultó a la fama mundial, pero su arte se sostiene por sí solo.
McGill tiene un sonido que podría describirse como “noble”. Centrado, extremadamente pulido y equilibrado en todos los registros. Su estilo encarna la sofisticación en la música; nunca oirás un fraseo pobre ni una nota fuera de lugar. Representa la excelencia de la escuela americana filtrada a través de una exquisita sensibilidad para la música de cámara. McGill es también una voz destacada de la justicia social en la música, y utiliza su plataforma para defender la diversidad.
Su labor docente es intensa y de alto nivel, repartida entre Juilliard y el Instituto Curtis de Música.
8. Julian Bliss: el prodigio que se reinventó a sí mismo
El mundo de la música está lleno de juguetes rotos, niños prodigio que deslumbraron a los diez años y desaparecieron a los veinte. Julian Bliss es la gloriosa excepción. Empezó a tocar a los cuatro años y, de adolescente, ya diseñaba mejoras para los clarinetes Leblanc. Hoy es un artista maduro y asombrosamente versátil.
Bliss, representante de la escuela británica moderna, destaca por su brillante pragmatismo. Hace que lo difícil parezca fácil. Su sonido es claro, directo y muy versátil, lo que le permite moverse entre mundos que rara vez se cruzan: el repertorio clásico más exigente y el jazz salvaje. Con su banda, el Julian Bliss Septet, explora las raíces del swing con una autenticidad que pocos músicos clásicos consiguen, sin sonar acartonados.
Más allá de su carrera como solista, es un educador apasionado, que ofrece clases magistrales en el Reino Unido y EE.UU. y desarrolla su propia línea de clarinetes asequibles para estudiantes (Gozo de Conn-Selmer), democratizando el acceso a instrumentos de calidad.
9. Kari Kriikku: el chamán de la vanguardia
Si los clarinetistas anteriores son los guardianes del museo, Kari Kriikku es el artista que pinta graffitis de neón en las paredes. Desde Finlandia, Kriikku es la campeona indiscutible de la música contemporánea y las nuevas creaciones.
Para Kriikku, el clarinete no es sólo melódico; es un generador de texturas y efectos sonoros. Su dominio de las técnicas extendidas no tiene rival: respiración circular, multifónicos, slap-tongue, glissandi extremos y cuartos de tono. Su presencia en el escenario es eléctrica, casi como una excéntrica estrella de rock. Destacados compositores contemporáneos como Kaija Saariaho y Magnus Lindberg han escrito obras específicamente para sus dedos imposibles.
No es un profesor de conservatorio convencional; su pedagogía se transmite a través de estrenos y de la colaboración directa con compositores y jóvenes intérpretes en festivales de música nueva del norte de Europa.
10. Wenzel Fuchs: la roca de la tradición
Cerramos nuestro viaje de vuelta al corazón de la orquesta. Wenzel Fuchs, compañero de pupitre de Ottensamer en la Filarmónica de Berlín, representa la tradición austro-alemana en su forma más pura y destilada.
Fuchs no es un showman. No verás los bailes de Fröst ni los vídeos virales de Baldeyrou. Lo que verás (y oirás) es perfección orquestal. Su sonido es la referencia absoluta de lo que debe ser un clarinete clásico: madera pura, un núcleo denso y una entonación inquebrantable. Es el maestro de legato, la capacidad de conectar notas a la perfección, creando líneas melódicas interminables. Su sonido ha definido las grabaciones de la Filarmónica de Berlín durante décadas.
Como profesor de la Academia Karajan de la Filarmónica de Berlín, Fuchs ocupa posiblemente el puesto docente más importante del mundo: preparar a jóvenes talentos para las principales cátedras orquestales. También es profesor invitado en prestigiosas instituciones de todo el mundo.
¡Explora más contenidos!
- Los 5 mejores gadgets para Sax PlaySaxofón Electrónico VS Clásico
- Las 5 mejores canciones fáciles para saxofón alto para principiantes
- Saxofones electrónicos, ¡la guía definitiva!
- Los 5 mejores canales de Youtube para saxofonistas
- ¿Cómo tocar el saxofón sin molestar a tus vecinos?
- Instrumentos de viaje que todo músico debe conocer
¡Feliz lectura!
Equipo Odisei Music