I 10 migliori clarinettisti classici attuali

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Il clarinetto è uno strumento paradossale. È capace della commedia più buffonesca e della tragedia più profonda; da un sussurro quasi impercettibile (niente) all'urlo penetrante del jazz. Ma quel cilindro di legno di granata, con i suoi tasti d'argento e l'ancia vibrante, è solo un oggetto inerte finché un artista non gli infonde vita.

Stiamo vivendo in quella che gli storici della musica probabilmente chiameranno la “seconda età dell'oro” del clarinetto. Mai prima d'ora abbiamo avuto accesso a una tale diversità stilistica che coesiste allo stesso tempo. La globalizzazione ha permesso ai rigidi confini delle scuole tradizionali, al suono scuro e compatto dei tedeschi, alla brillantezza e all'agilità dei francesi, alla potente proiezione degli americani, di confondersi, intersecarsi e creare affascinanti ibridi.

Questo articolo non è un semplice elenco, ma un viaggio attraverso dieci personalità che hanno dedicato la loro vita alla padronanza del vento. Questi sono i dieci clarinettisti che, oggi, definiscono cosa significa suonare questo strumento. Unisciti a noi per esplorare le loro storie, i loro insegnamenti e, soprattutto, quelle registrazioni che possono alterare la chimica del tuo cervello.

Leggere di musica è solo l'inizio. Ecco perché abbiamo preparato una risorsa scaricabile con contenuti ispirati dai maestri, pensati per arricchire la tua visione artistica e motivare la tua pratica quotidiana.

1. Martin Fröst: l'illusionista che ha rotto gli schemi

Per capire Martin Fröst, devi innanzitutto dimenticare l'immagine tradizionale del solista classico: quella figura statica, vestita in frac, radicata a terra accanto al direttore d'orchestra. Questo svedese ha deciso che il clarinetto non è solo uno strumento che produce suoni, ma un'estensione del corpo. Fröst è senza dubbio la figura più mediatica e rivoluzionaria nel campo del clarinetto del XXI secolo.

Nato in Svezia, Fröst suona con il sistema Boehm (francese), ma il suo suono non assomiglia a nessun altro. Sembra provenire dal ghiaccio nordico: incontaminato, trasparente, con una purezza così assoluta che a volte ti chiedi se stai ascoltando uno strumento a fiato o un sintetizzatore organico. La sua tecnica ha ridefinito ciò che è possibile; è in grado di eseguire passaggi staccati a velocità che sfidano la logica fisica pur mantenendo una chiarezza assoluta. Ma il suo più grande contributo è stato la teatralità. In progetti come Casa delle bambole e Genesi, Fröst danza, recita e dirige mentre suona, facendo rivivere la figura del musicista come uno sciamano che guida la tribù attraverso un rituale.

Sebbene i suoi impegni come solista internazionale e direttore musicale dell'Orchestra da Camera Svedese gli impediscano di ricoprire una posizione di insegnamento fissa, la sua influenza pedagogica è massiccia grazie a masterclass globali e alla collaborazione con Buffet Crampon nella progettazione di strumenti. Ascoltarlo significa scrutare il futuro dello strumento.

2. Sabine Meyer: la signora del ferro e del velluto

La storia di Sabine Meyer è un trionfo morale e artistico. All'inizio degli anni '80, divenne il centro di una delle più grandi controversie della musica classica quando il leggendario direttore Herbert von Karajan cercò di nominarla prima donna nella sezione fiati della Filarmonica di Berlino. L'orchestra si ribellò e dopo un breve periodo la Meyer se ne andò. Ciò che avrebbe potuto distruggere la carriera di chiunque, divenne il suo carburante. Oggi Sabine Meyer è un'istituzione in sé, una solista la cui carriera ha eclissato l'orchestra che un tempo l'aveva rifiutata.

Meyer è il grande custode e innovatore della Scuola Tedesca. Suona sul sistema Oehler, un meccanismo più complesso del sistema francese, con tasti aggiuntivi e diteggiature alternative per ottenere un suono specifico: denso, scuro, centrato e ricco di armonici inferiori. Ascoltare la Meyer è come sentire la tradizione di Brahms e Mozart distillata. Il suo fraseggio è sempre elegante, logico e profondamente aristocratico. Non insegue effetti facili o velocità vuote; ogni nota ha un peso e uno scopo.

Oggi porta avanti questa eredità come professore presso la Musikhochschule di Lubecca (Germania), insegnando a un gruppo altamente selettivo di studenti che aspirano a padroneggiare il complesso sistema tedesco.

4. Andreas Ottensamer: l'aristocratico viennese del XXI secolo

Nel mondo del clarinetto, il nome di Ottensamer è regale. Sia il padre che il fratello hanno occupato i posti principali nella Filarmonica di Vienna. Andreas, il più giovane della dinastia, ha ereditato non solo il talento, ma anche un carisma da star del cinema che ha contribuito a rendere popolare lo strumento tra il pubblico giovane. Andreas attualmente ricopre la cattedra di clarinetto principale della Filarmonica di Berlino. Il suo stile è un affascinante ibrido. Sebbene utilizzi il sistema tedesco e il clarinetto viennese (con un foro leggermente più largo), il suo modo di suonare ha una cantabile qualità che ricorda la scuola italiana. Il suo suono è vellutato, scuro come il cioccolato, ma abbastanza flessibile da permettergli di correre rischi espressivi che altri musicisti d'orchestra non oserebbero. Ottensamer ha raggiunto la rara impresa di essere un musicista orchestrale disciplinato e, allo stesso tempo, un solista Deutsche Grammophon con un appeal di massa.

Quando non è in tournée o in registrazione, insegna a Berlino e offre masterclass in tutto il mondo, diventando un punto di riferimento per chi cerca un nobile suono viennese con una mentalità moderna.

5. Nicolas Baldeyrou: il mago della tecnica francese

Per molti studenti di clarinetto di oggi, Nicolas Baldeyrou è “il ragazzo di YouTube”. È vero che le sue registrazioni casalinghe, in cui si moltiplica per suonare arrangiamenti impossibili, sono diventate virali. Ma ridurre Baldeyrou a un fenomeno di internet sarebbe un grave errore. È uno dei clarinettisti più tecnicamente dotati della storia.

Baldeyrou incarna la quintessenza della Scuola Francese: brillantezza, chiarezza, eleganza e articolazione (tonguing per separare le note) a velocità quasi fulminea. Il suo suono è più leggero e flessibile rispetto ai suoi colleghi tedeschi, con un vibrato accuratamente modellato per colorare le note lunghe. Ciò che lo rende unico è l'apparente facilità con cui affronta le difficoltà più ardue; mentre gli altri fanno fatica, lui sembra semplicemente respirare.

Questa maestria tecnica ha sede a Lione, in Francia, dove insegna al Conservatorio Nazionale Superiore di Musica e Danza di Lione (CNSMD) ed è solista della Filarmonica di Radio France. È la destinazione da sogno per tutti gli studenti che vogliono padroneggiare la tecnica delle dita e della lingua fino ai suoi limiti.

6. Sharon Kam: la voce dell'anima

Alcuni musicisti suonano note, altri raccontano storie strazianti. Sharon Kam appartiene alla seconda categoria. Nata in Israele e formatasi alla Juilliard, ha raggiunto la fama internazionale dopo aver vinto il prestigioso Concorso ARD di Monaco a 21 anni. Da allora, si è ritagliata una carriera unica, basata principalmente in Germania.

Lo stile di Kam è definito da emozioni traboccanti. Non ha paura di spingere lo strumento ai suoi limiti dinamici o di forzare il suono se l'espressione drammatica lo richiede. Possiede un tono caldo, rotondo e molto umano. A differenza della fredda perfezione di altri interpreti, Kam cerca una connessione viscerale con l'ascoltatore. Il suo generoso vibrato e la sua padronanza coloristica le permettono di affrontare il repertorio romantico e operistico con una profondità inusuale.

Residente ad Hannover, si concentra su progetti concertistici e di musica da camera con collaboratori di alto livello, evitando il lavoro orchestrale di routine per dedicarsi a iniziative artistiche personali.

7. Anthony McGill: dignità, leadership e giustizia

Anthony McGill occupa un posto speciale nella storia della musica classica americana, non solo come primo direttore afroamericano della Filarmonica di New York ma anche per le sue immense qualità artistiche e umane. La sua esibizione all'insediamento del Presidente Obama insieme a Itzhak Perlman e Yo-Yo Ma lo ha catapultato nella fama mondiale, ma la sua abilità artistica sta in piedi da sola.

La McGill ha un suono che è meglio descrivere come “nobile”. Centrato, estremamente curato ed equilibrato in tutti i registri. Il suo stile incarna la raffinatezza della musica; non sentirai mai un fraseggio povero o una nota fuori posto. Rappresenta l'eccellenza della scuola americana filtrata attraverso una squisita sensibilità per la musica da camera. McGill è anche una voce di spicco per la giustizia sociale nella musica e utilizza la sua piattaforma per sostenere la diversità.

Il suo insegnamento è intenso e di alto profilo, diviso tra la Juilliard e il Curtis Institute of Music.

8. Julian Bliss: il prodigio che si è reinventato

Il mondo della musica è pieno di giocattoli rotti, di bambini prodigio che hanno stupito a dieci anni e sono scomparsi a venti. Julian Bliss è una gloriosa eccezione. Ha iniziato a suonare a quattro anni e, già da adolescente, progettava miglioramenti per i clarinetti Leblanc. Oggi è un artista maturo e sorprendentemente versatile.

Bliss, un rappresentante della moderna scuola britannica, si distingue per il suo brillante pragmatismo. Fa sembrare facile il difficile. Il suo suono è chiaro, diretto e altamente versatile, il che gli permette di muoversi tra mondi che raramente si intersecano: il repertorio classico più esigente e il jazz più sfrenato. Con la sua band, il Julian Bliss Septet, esplora le radici dello swing con un'autenticità che pochi musicisti classici riescono a raggiungere, senza sembrare rigido.

Oltre alla sua carriera da solista, è un appassionato educatore, che offre corsi di perfezionamento nel Regno Unito e negli Stati Uniti e sviluppa una propria linea di clarinetti per studenti a prezzi accessibili (Bliss di Conn-Selmer), democratizzando l'accesso a strumenti di qualità.

9. Kari Kriikku: lo sciamano dell'avanguardia

Se i precedenti clarinettisti sono i guardiani dei musei, Kari Kriikku è l'artista che dipinge graffiti al neon sui muri. Finlandese, Kriikku è il campione indiscusso della musica contemporanea e delle nuove creazioni.

Per Kriikku, il clarinetto non è solo melodico; è un generatore di texture ed effetti sonori. La sua padronanza delle tecniche estese è impareggiabile: respirazione circolare, multifoniche, slap-tongue, glissandi estremi e quarti di tono. La sua presenza sul palco è elettrica, quasi come una rockstar eccentrica. Importanti compositori contemporanei come Kaija Saariaho e Magnus Lindberg hanno scritto opere appositamente per le sue dita impossibili.

Non è un insegnante di conservatorio convenzionale; la sua pedagogia si trasmette attraverso prime esecuzioni e collaborazioni dirette con compositori e giovani interpreti nei festival di nuova musica del Nord Europa.

10. Wenzel Fuchs: la roccia della tradizione

Chiudiamo il nostro viaggio tornando al cuore dell'orchestra. Wenzel Fuchs, compagno di banco di Ottensamer alla Filarmonica di Berlino, rappresenta la tradizione austro-tedesca nella sua forma più pura e distillata.

Fuchs non è un uomo di spettacolo. Non vedrai i balli di Fröst o i video virali di Baldeyrou. Quello che vedrai (e sentirai) è la perfezione orchestrale. Il suo suono è il riferimento assoluto per quello che dovrebbe essere un clarinetto classico: legno puro, anima densa e intonazione incrollabile. È il maestro di legato, L'abilità di collegare le note senza soluzione di continuità, creando linee melodiche infinite. Il suo suono ha definito le registrazioni della Filarmonica di Berlino per decenni.

In qualità di professore presso l'Accademia Karajan della Filarmonica di Berlino, Fuchs ricopre probabilmente il ruolo di insegnante più importante al mondo: preparare giovani talenti per le cattedre orchestrali più importanti. È anche professore ospite presso prestigiose istituzioni in tutto il mondo.

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Team musicale Odisei